Der üppig-florale Stil früherer Epochen entwickelte sich ab 1760 zu schlichteren Formen hin, welche im Grunde die Sehnsucht nach natürlicherem Dasein befriedigten. Vorbilder der anfänglich streng klassizistischen Zeitspanne waren neben der Antike auch die italienische Renaissance mit weniger ornamentalem Dekor, dafür mit strengen, geraden Linien und kühlen Farben. Der Schmuck war allgemein anspruchsvoll und hochwertig verarbeitet, aber schlichter geworden, geprägt von antiken Darstellungen, die durch diverse archäologische Funde wie z. B. in Pompeji bei Neapel bekräftigt wurden. Es kamen in dieser Zeit Kameen und Gemmen in Mode. Ebenso der Marquise-Ring, der mit seiner elliptischen Form und zwei spitzen Enden auf einen Juwelier-Auftrag von Ludwig XV. in Frankreich zurückgehen soll. Die Form des Ringes und des Diamanten sollte die Lippen einer geliebten Frau darstellen. Die Frau, für die er ersonnen wurde, war vermutlich die Marquise de Pompadour. Das Wort „Marquise“ ist die weibliche Form des Marktgrafen, eines Erbtitels im Rang zwischen Grafen und Herzogen. Marquisen demonstrierten ihre gesellschaftliche Stellung, indem sie sich mit Diamanten und Marquise-Diamantenringen schmückten. Im Laufe der Zeit entwickelten sich sowohl der Marquise-Schliff – ein seltener Diamantenschliff mit 56 Facetten und einer länglichen Tafel mit Punkten, auf beiden Seiten ergänzt, damit die Illusion einer beträchtlichen Größe entstehen kann – als auch die bootförmige Ringgestaltung weiter. Später, um die Jahrhundertwende, wurde diese Formgestaltung als Schiffchen-Form bekannt und häufig mit einzelnen Diamanten und einem zentralen bunten Edelstein verziert.

Man trug in den ersten Jahren der klassizistischen Epoche bevorzugt nicht zu viel Buntes, sondern eher monochrome Gestaltungen von Perlen und Diamanten. Gerne griff man auch zu kostbaren Schmuck-Ensembles mit passenden Colliers, Ohrringen, Armbändern und Broschen, die zum Luxusleben am Hofe und in den Residenzen perfekt passten. Von diesem Flair aus hat sich die klassizistische Epoche etabliert. Der fortgeschrittene Empirestil folgte zwar weiter der Geradlinigkeit und Strenge des Klassizismus, wechselte jedoch von demokratisch-schlicht zu imperial-prunkhaft. Die napoleonische Zeit prägte den kurzlebigen Empirestil und ließ alles pompöser und monumentaler ausfallen. Betonte Feierlichkeit in der Kunst- und Schmuckdarstellung demonstrierte Größe und Macht, Colliers und Kopfschmuck zeigten allmählich mehr Farbe, Gold und insgesamt mehr Leidenschaft.

was Juweliere wie beispielsweise Louis Cartier, Frédéric Boucheron oder Gustav Fabergé zu großer Kunst inspirierte. Historismus griff generell auf alte Stilformen zurück; so sind auch die sogenannten Neostile wie Neobarock, Neorenaissance, Neorokoko etc. entstanden – es war, als ob man vor den Neuerfindungen der Zeit wie Automobilen, Telegrafen, Elektrizität, Rolltreppen und dergleichen in frühere, ruhigere Zeiten flüchten wollte. Historismus diente offenbar dazu, Ängste aufzulösen und eine Art Orientierung und Sicherheit in Zeiten eines schnellen Wandels zu bieten. Im Schmuckbereich entstanden frische Entwürfe in gewohnten und bekannten Formen, die mit neuen Goldschmiedetechniken anspruchsvoller und kreativer bearbeitet werden konnten. So gelang es mittels Galvanotechnik – einem Verfahren, bei dem nichtmetallische Werkstoffe mittels Elektrolyse metallisch überzogen werden–, das Kopieren von historischen Schmuckstücken zu perfektionieren. Die Galvanotechnik wurde vom deutschen Ingenieur Hermann von Jacobi im Jahr 1837 entdeckt und wird seit 1885 industriell genutzt. Die Goldschmiede förderten zur Zeit des Historismus auch verschüttetes Handwerksgut zutage. So beispielsweise das sogenannte Granulieren, das schon die alten Ägypter, Griechen und Etrusker praktiziert hatten und bei dem man mittels kleiner Kügelchen eine Oberfläche aus demselben Material verzierte. Dabei wurden die Kügelchen mittels einer Reaktionslötung ohne metallisches Lot so platziert, dass Licht und Schatten eine schöne plastische Oberfläche kreieren konnten. Der römische Goldschmied Augusto Castellani hat im Historismus diese Technik wieder belebt. Parallel dazu entwickelte sich in England der viktorianische Stil, ein kreativer Historismus voller Ideen und von völlig eigener Prägung.

Der anschließenden kurzen Zeitspanne ca. zehn Jahre vor dem Ende des 19. Jahrhunderts gaben die Franzosen den Namen Belle Époque. Es war eine Zeit der Lebensfreude, des Amüsements, der Gastronomie. Große Diamanten und fein gearbeiteter Schmuck mit zart-floralen Ornamenten glänzten überall, Licht und Eleganz orientierten sich an der Formsprache der Klassizismus bzw. Empire. In dieser Zeit wurde auch die Technik des Dublierens angewendet und verbreitet, bei der man eine dünne Edelmetalllegierung unter hohem Druck und Hitze auf ein anderes Edelmetall auftrug. Der Unterteil war meist Rotgold, der Oberteil vorwiegend Silber, wobei man in dieser Zeit beim Dublieren bereits ebenfalls mit Platin experimentierte. Es war beim Schmuck um die Jahrhundertwende auch schon Funktionalität gefragt, etwa wenn man eine Brosche auch als Anhänger tragen konnte. Belle Époque war eine gewagte „schöne Zeitspanne“, die alles hinterfragte und mit dem sich ausbreitenden Jugendstil gleichzeitig den Weg zur Moderne eröffnete.

In Wirklichkeit war Jugendstil eine Art Antwort auf die Geschehnisse des 19. Jahrhunderts: einerseits auf die industrielle Entwicklung und damit auf die maschinell hergestellten Massenwaren vorwiegend aus dem viktorianischen England, andererseits auf die Belle-Époque-Zeitspanne Frankreichs, in der das Treiben der gehobenen Elite in Exaltiertheit ausuferte. Jugendstil wollte Kunst leben und anders erleben und sie in den Alltag integrieren. Dieser Anspruch ist gelungen, da Künstler dieser Stilrichtung die Grenzen zwischen Kunst und Handwerk auflösten, sodass sich die Jugendstil-Bewegung, genauso wie deren Ursprung, etwa die „Arts & Crafts“-Bewegung in England, sowohl in der Schmuckgestaltung als auch in der Architektur, Malerei, Möbel- und Glasherstellung, Grafik und in der Typografie etc. verbreiten konnte. Im Jugendstil entstanden bislang ungesehene, geschwungene Linien, geometrische Formen und flächenhaft stilisierte, meist emaillierte pflanzliche oder abstrakte Ornamente. Elegante Blumen, Insekten, Vögel und Fabelwesen stellten den Bezug zur Natur dar. Auch Frauenkörper waren beliebte Motive des Jugendstils.

Der Schmuck zeigte generell frei fließende, harmonische Linien, die Bewegung suggerierten. Gelbgold und Silber wurden gern verwendet, traten bei den Kompositionen optisch jedoch in den Hintergrund. Blüten sowie Tierflügel wurden mit der Plique-à-jour-Emaillierungstechnik verziert, die an Glas erinnert und Schicht für Schicht gebrannt wird, um Transparenz und lebhafte, elektrisierende Farbkraft zu erreichen. Der ausgebildete Juwelier René Lalique, einer der einflussreichsten Designer des Jugendstils, hat seine dekorative Emaillierungs- und Glaskunst in dieser Epoche wohl auf ein Spitzenniveau gehoben. Tiffany gründete sogar Tiffany Studios, um mit den handgefertigten Jugendstilstücken anderer Firmen mithalten zu können. Die Jugendstilbewegung ging schließlich mit dem Ausbruch des Ersten Weltkrieges in Europa zu Ende, hat jedoch nachkommende Zeiten mit ihren einzigartigen Designelementen weitgehend beeinflusst.

Die schönen seidigen Schleifen, Blütenmotive und glatten Weiten der goldenen Spiegeloberflächen der 1940er-Jahre-Retro-Stil-Bewegung wurden durch krummlinige, verdrehte, geflochtene Goldstrukturen und durch klobige, teils textilähnliche Oberflächen ersetzt. Mode und Schmuck wurden generell üppiger und weiblicher: Die Frauen zeigten durch den gefeierten Couturier Christian Dior mit seinen „New Look“-Kreationen Wespentaillen und freizügige Dekolletés. Zu Letzteren passten hervorragend die neu gestalteten Colliers, die in erster Linie kostbare Diamanten präsentierten. Durch den Fokus auf die Fassung einer Vielzahl kleinerer Diamanten statt großer Einzelsteine konnte Schmuck die schnell wachsende Mittelschicht erobern. Der Werbeslogan der De Beers Diamond Corporation, der „A Diamond is Forever“ lautete, oder der legendäre Titel des Jazz-Songs „Diamonds are a Girl’s best Friend“ aus der Broadway-Produktion „Gentlemen Prefer Blondes“ aus dem Jahr 1949, berühmt geworden durch die Interpretation von Marilyn Monroe, ließen auf einmal Tausende Frauen von einem Leben mit funkelnden Diamanten träumen. Neben ausschließlich aus Diamanten und Platin gefertigten Schmuckstücken waren auch Edelsteine in kräftigen, leuchtenden Farben in Kombination mit Gold gefragt. Die berühmten Juwelierhäuser kreierten beeindruckende Schmuckkollektionen, wie z. B. Jeanne Toussaint, die für Cartier die legendäre „Collection Panthère“ kreierte und damit Cartiers „Panther-Icon“ erfand, das bis heute nichts von seinem Image und Wert verloren hat.

Es gab auch Newcomer wie z. B. den New Yorker Juwelier Harry Winston, der die Meinung vertrat, Diamanten bestimmten das Design allein und seien somit das wesentlichste Element eines Schmuckstückes. Dem war zwar nicht so, aber er setzte an zierliche Platinfassungen Diamant an Diamanten so, dass seine Kreationen einen atemberaubenden Eindruck erzielten und ihm gebührend große Erfolge brachten. Neben Colliers wurden vor allem Broschen gefertigt, da diese gerne auch stilgerecht nahe dem Dekolleté getragen wurden; daher waren vor allem Kombinationen wie Brosche/Ohrringe oder Ohrringe/Collier angesagt. Das Ringdesign hingegen entwickelte sich nach den großen, anmutigen, kühnen Ringen der 1940er-Jahre nur langsam. Sie wurden erst später, gegen Ende der Mid-century-Periode, wieder aufwendiger und glamouröser gestaltet.

Edelsteine in skulpturaler Formsprache präsentiert, oder wie etwa die Berliner Schmuckwerkstatt Quite Quiet, die gelungenen Materialmix aus Gold, Keramik und gegerbtem Leder anbietet. Neben opulenten Fertigungstechniken und Materialmix hat sich auch der Trend zu Gegenteiligem, nämlich zu zartminimalem Schmuck aus Eigenproduktionen oder aus Massenproduktionen aus China, durchgesetzt. Diese sind niedliche, bezaubernde, teils winzige Schmuckstücke, die dennoch ein zeitgemäßes Zeichen setzen und die sich auch nicht begüterte Menschen leisten können. Bei kleinen, zarten Schmuckstücken wird gerne auch das sogenannte Layering praktiziert, wo verschiedenartige Schmuckstücke wie z. B. Halsketten oder Armketten mit unterschiedlichen Materialien wie Gold, Silber, Stoff, Leder oder Kunststoff zusammen bzw. aufeinander getragen werden. Dadurch ist heute beim Contemporary-Schmuck nicht unbedingt das Was, sondern eher das Wie entscheidend. Gegenwärtig zählt vor allem die Kreativität, mit der man den eigenen Stil präsentiert, die Anmut der Betrachtungsweise, mit der man seinen eigenen Schmuck persönlich wählt, kombiniert und trägt.

Heute kann jeder in allen Stilrichtungen Schmuck tragen und damit seine Individualität zum Ausdruck bringen – im Gegensatz zu früheren Epochen, wo in erster Linie Wohlhabende an die Tür großer Juweliere klopften, während die Arbeiterschicht draußen blieb, da diese sich Glänzendes weder erlauben noch leisten konnte. Sollte dabei ein Schmuck-Trend seinen absoluten Tiefpunkt erreichen, wird er einfach irgendwann wiederbelebt. So zum Beispiel die berühmte Panzerkette der 1980er-Jahre, die damals jeder tragen wollte und dann gar nicht mehr, wurde um 1990 herum durch berühmte Rap-Stars erneut in Szene gesetzt und als cooles Accessoire gefeiert. Später wieder, ab 2010, in Prêt-à-porter-Kollektionen von Luxuslabels wie Louis Vuitton oder Lanvin in fulminantem Comeback und in einer völlig neuen Interpretation propagiert – in aufwendig dekorierten, flachen Ausführungen als Armbänder, Fußketten oder Ringen. Inspiriert von Trendbewegungen vergangener Zeiten lassen viele Mode-Designer heute für ihre Kollektionen ideenreichen Modeschmuck oder aufwendigen echten Schmuck produzieren. Damit verleihen sie Juwelen gleichzeitig einen völlig neuen Stellenwert: Sie erklären Schmuck zum allgegenwärtigen, selbstverständlichen und unverzichtbaren Stilelement mit unbegrenzten Gestaltungsmöglichkeiten, das in erster Linie der Selbstdarstellung, der Statussymbolik und der Definition des eigenen Geschmacks dient.